Art Paris 2024

“Décryptage”

Pour cette session d’Art Paris 2024 j’ai eu le plaisir de faire partie de l’équipe de l’Observatoire de l’art contemporain[1]. Dédié à l’analyse, la prospective et le décryptage de la création actuelle, l’Observatoire constitue chaque année une équipe d’une dizaine d’expert-es chargé-es de créer des visites d’auteur-es. Ces visites sont destinées à un public sur réservation, principalement VIP (comités d’entreprises, collectionneur-euses, personnalités, associations, journaux…), mais aussi au grand public, sur réservation. J’ai ainsi proposé un parcours de décryptage personnalisé pour chacun des neuf groupes que j’ai accompagnés lors de cette session. Il m’a fallu, quand je préparais ces parcours, consulter le catalogue qui répertoriait les galeries présentes (au nombre de 136), puis arpenter les stands lors de leur accrochage la veille de l’ouverture de la foire. C’est un exercice de travail intense et rapide, qui demande une certaine acuité visuelle pour les premiers repérages. J’ai donc fait confiance à mon intuition pour capter des liens entre les œuvres, en partant de ma sensibilité personnelle. Notons qu’il y avait deux principales lignes de lecture à la foire, deux tendances établies par les commissaires. La première, celle d’Eric de Chassey traçait des “Fragiles utopies” de la scène française et la seconde, proposée par Nicolas Trembley, s’intéressait aux problématiques de “L’Art & Craft”. D’un côté, il y avait le rapport à l’époque ainsi que les enjeux des grands systèmes, de l’autre, la question de la technique de création et de ses enjeux sociopolitiques.

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Il était assez naturel de naviguer entre ces deux visions, mais il faut d’emblée leur ajouter une première considération qui m’a particulièrement intéressée: il y avait beaucoup de femmes artistes dans cette édition d’Art Paris. Certaines sont des artistes historiques, mais il s’agissait surtout de contemporaines. Soulignons d’ailleurs qu’il y avait aussi un certain nombre de femmes parmi les galeristes. C’est pourquoi l’un de mes parcours s’intitulait “Où sont les femmes artistes ? Les femmes artistes sont là”. Il fallait barrer cette formule, définitivement, et constater son échec en la contrant par une affirmation : oui, elles sont là, les créatrices, et elles sont en nombre.

On voit ici des œuvres de Sonia Delaunay, de Niki de Saint Phalle et de Nitsa Meletopoulos. Parmi les artistes on trouvait, entre autres, des figures historiques telles que Maria Helena Viera da Silva présentée par la Galerie Jeanne Bucher, Vera Molnar à la Galerie 8+4, Oniris art et Verart Véronique Smagghe et puis Juliette Roche exposée par la Galerie Pauline Pavec. Je tenais à soulever ce fait, d’autant qu’il rejoint les réflexions autour du phénomène de “redécouverte” dont nous parlons régulièrement au F.A.R[3]. C’est que cette rhétorique de la résurgence des femmes artistes “oubliées” semble alimenter grandement le marché, ou dû moins, amener à valoriser la présence des femmes dans celui-ci. Espérons que cela conduise à voir leurs œuvres encore plus dans les musées. Espérons aussi que cela se fasse dans des perspectives libératrices d’une “héroïsation” ou “génification” dont il faut sortir afin de réinfiltrer de la vie dans les discours qui parlent des artistes femmes.

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Dans mes pérégrinations visuelles, lors de ma lecture du catalogue et de ma visite préliminaire, j’ai été frappée par la couleur. J’ai également perçu la nature qui foisonnait sur les différents stands et puis croisé la figuration, qui peuplait les cimaises. Enfin, j’ai senti un lien à la matière qui m’a touchée. J’ai alors construit mes fils directeurs selon différentes voies qui relient ces éléments. Tout d’abord, je suis partie du rapport avec l’élément naturel, en questionnant l’articulation entre nature et culture au cœur des préoccupations de l’anthropocène[4]. C’est ce que l’on peut suivre dans le premier parcours que je retrace dans cet article. Puis, je me suis laissée guider par l’intuition de la couleur, par le saisissement du motif, mais aussi celui de son absence (amené par le suggestif), ce qui m’a amenée à penser les deux autres parcours que je proposais.

Le premier de mes fils conducteurs était intitulé: ” ‘L’Homme est la mesure de toute chose’ (Hobbes), mais qu’ont les choses à nous dire sans l’homme ?”. Il invitait à penser la place de l’humain à laquelle nous, regardeur-euses, pouvons nous identifier et ce que l’artiste en dit, en suggère ou en révèle à travers la nature et les objets.

Certain-es artistes convoquent directement la nature comme matériau même de création, ainsi que le fait Victoire Inchauspé[5], une jeune artiste diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. A mon sens, son travail se fait presque une archéologie anticipatrice suggérée par la nostalgie que revêtent les végétaux qu’elle emploie. Dans cette perspective, les tournesols pris dans la cire deviennent des reliquaires dramatiques et les bronzes, des empreintes éternelles de fleurs, des bribes, des réminiscences. Le caractère haptique des œuvres de Victoire Inchauspé, c’est-à-dire l’envie que l’on a de les toucher, de les saisir, contraste avec la réalité du temps qui nous échappe en pleine crise écologique et nous dit quelque chose de notre présent.

Les carreaux de faïence d’Arnaud Rochard[6], eux, rappellent ceux des églises médiévales. Ils s’exposent comme des tableaux et se relèvent du sol pour nous font face. Ils m’ont aussi renvoyée aux carreaux de faïences des intérieurs de Deft, d’un autre temps. Mais ils portent en eux, outre des réminiscences iconographiques et stylistiques, quelque chose de palpitant. Les vieillissures sont neuves, elles sont celles du travail de la terre cuite. Le motif s’échappe, il lui manque des lignes et puis la nature sort du décoratif pour devenir même un paysage. Il y a discontinuité chronologique entre un passé lointain et un futur inconnu. Et puis il y a nous à travers la figure humaine dont il ne reste que des bribes de silhouette au milieu du motif naturel.

Les deux premières œuvres nous ont amenés à prendre conscience du temps, en naviguant depuis un passé lointain jusqu’à un futur peut-être proche. Les suivantes parlent cette fois de notre place au sein de l’Univers. Il s’agit des photographies de Juliette Agnel[7], une artiste qui nous transporte dans des paysages atemporels. Du désert la nuit, dans lesquelles les ruines égyptiennes renvoient au passé lointain emprunts de croyances ancestrales, aux grottes de glaces du Groënland, Juliette Agnel nous invite à l’expérience mentale dans les images qu’elle créé. La première série présentée lors d’Art Paris, intitulée Taharqa la nuit, m’a rappelé le mythe de la déesse Nout. Mère des astres, elle fait le pont au-dessus de Geb, son amant qui est le dieu de la Terre. Son corps courbé forme de ce fait la voie lactée. C’est justement d’une expérience personnelle de son rapport aux étoiles qu’est partie l’artiste, alors qu’elle ne savait plus si elle était loin ou proche de la voie lactée et que le rapport de son corps avec l’Univers s’en trouvait modifié. L’expérimentation du paysage se fait aussi dans la seconde série exposée, à savoir celle des grottes de glace. De loin, on ne reconnaît pas vraiment le motif, puisque le cadrage serré engage une certaine abstraction. Pourtant, de près, on commence à voir le travail de la matière naturelle et surtout les contrastes de densité et de transparence de la glace. Si l’esprit peut s’y glisser pour tenter d’entrer dans ces grottes et penser leurs zones cachées, ces paysages sans l’Homme viennent questionner sa place et lui rappeler sa petitesse. Il y a quelque chose d’hostile dans ces grottes, comme dans la mer de glace de Friedrich et puis il y a le sentiment du sublime qui nous happe.

La silhouette humaine réapparaît dans le travail de la prochaine artiste, Sophie Zénon[8] pour peut-être elle aussi rendre signifiante son absence. Si cette dernière pratique principalement la photographie, elle travaille l’estampage dans le cas présent. En effet, c’est en partie ce qui rend remarquable le manteau d’hiver qu’elle exposait dans son solo show à la Galerie XII. Celui-ci est fait en papier de mûrier, matériau naturel modelé et tissé par l’artiste en collaboration avec l’artisane textile Charlotte Kaufmann. Le motif qui y est apposé est issu d’un contact direct avec la nature, puisque Sophie Zénon a embrassé des chênes de lorraine pour le réaliser. Les bras entourant l’arbre, en corps à corps, elle en a conservé des traces de l’écorce par empreintes sur le papier. Les formes naturelles qui résultent de cette action renferment un certain pouvoir suggestif qui invite les regardeur-euses à la projection mentale. J’y vois les plumes des chouettes arctiques, teintées de blanc pour survivre dans leur environnement polaire. La silhouette, vide de corps humain vient cette fois suggérer la nature. La puissance quasiment énergétique de ce manteau rappelle d’ailleurs les capes de chamanes dont l’artiste, diplômée en ethnologie, possède une bonne connaissance. Les chamanes activent des liens, lors de cérémonies, entre les forces supérieures (dont ils sont les intermédiaires), la nature et les hommes. Cela se ressentait dans la manière dont était présenté ce manteau d’hiver, suspendu au milieu d’impression de photographies de nature sur tissus transparents.

La figure humaine ressurgit cette fois pleinement les compositions d’Alice Guittard[9]. Tel est le cas dans l’un de ses paysages, où une femme enceinte nue trône au milieu des montagnes. Le tout est constitué uniquement de marbre, en marqueterie. Cette technique décorative, l’artiste l’a observée sur les palais Ottomans, lorsqu’elle a été contrainte par la douane turque à abandonner son matériel photographique. C’est une vraie création en prise avec la matière qu’Alice Guittard propose au vu de l’exigence et de l’adaptabilité au matériau impliquées par le travail de la pierre dure. La beauté de ses réalisations me rappelle les décors des tables de Louis XIV aux motifs végétaux et animaux. Les couleurs des compositions sont nuancées et les nervures des marbres donnent un remarquable effet pictural, renforcé par le synthétisme des formes que l’artiste fait ressortir. Frappants et efficaces dans leur figuration, ces marbres sont pourtant prompts à la rêverie et à la paréidolie grâce à la variabilité de leur aspect. De la nature, on revient donc peu à peu à l’objet en tant que tel avec les marqueteries d’Alice Guittard.

Pour finir ce parcours, je proposais de retourner pleinement à la chose en tant que telle, c’est-à-dire à l’objet cette fois artificiel, en montrant le travail de l’artiste américano-dominicaine Lucia Hierro. Sur son site en ligne, il est écrit qu’elle “confronte le capitalisme du 21e siècle à travers une perspective intersectionnelle[10]” et ce notamment à travers des compositions à partir d’objets du quotidien possédés par ses proches. Héritière du Pop Art, sa démarche est, selon moi, une adresse frontale et frappante à notre rapport au contemporain. Travaillant l’impression textile et la couture, c’est une vraie plongée dans l’intime que propose Lucia Hierro, faisant qu’une image banale devient presque une icône. Loin de n’être qu’un appel à la fascination, ses compositions portent un double sens tranchant. C’est ce que l’on voit ici, quand derrière les teintes pastel et douces des objets de la grand-mère de l’artiste, c’est tout un passé colonialiste et sa violence qui sont suggérés à travers l’image chrétienne du fond et les ciseaux du premier plan. Les changements d’échelle et la disposition des représentations d’objets amènent un contraste entre déformation et imitation de notre monde. Des objets que nous connaissons tou-tes portent ainsi une charge invisible, mais qui crie à travers les œuvres de Lucia Hierro. Ces natures mortes contemporaines concluent ce premier fil directeur en renvoyant directement l’Homme à ses choses, qui, même sans figures, renferment ses préoccupations.

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Envisager le motif cette fois pleinement en rapport avec la couleur m’a conduite à penser la possibilité d’une échappée. En effet, j’ai perçu dans quelques œuvres des brèches, des voies de traverse qui tendent à nous emmener vers un ailleurs. J’ai donc invité certains groupes à expérimenter la chose, en les incitant à aussi prendre leur temps dans leur appréhension même des œuvres, ce qui est loin d’être un exercice évident avec la fouille grouillante d’une foire où les stands sont des lieux de passages. Pourtant la foire, au contraire des musées, nous permet une proximité avec les objets à laquelle nous sommes peu habitué-es dans les expositions. C’est pourquoi mon deuxième parcours s’intitulait “Tempus fugit, distordre l’espace-temps”.

Qu’il est bon d’avoir le luxe de l’échappée dans un monde où tout va vite, où le temps fuit. Mais certains voyages sont inquiets, vibrants, comme ceux des peintures de Sarah Jérôme[11] et de Daniel Schlier[12] qui initient ce parcours.

Dans l’œuvre de la première on voit une femme qui court de dos. Située au premier plan, elle se fait admonitrice et nous amène à entrer dans la composition. Elle se dirige vers une forêt qui est le lieu par excellence de l’imaginaire, celui de tous les possibles. Cela peut nous renvoyer aux comtes pour enfants ou bien aux œuvres symbolistes. Le caractère inquiétant du motif naturel est ici renforcé par les teintes rouges majoritairement sollicitées par Sarah Jérôme. Les jeux de matière participent eux aussi à l’expressivité de cette composition. En effet, il y a des déclinaisons de zones brillantes particulièrement fortes grâce à l’usage de la peinture à l’huile sur un papier calque qui contrastent avec des plages plus mattes. Je me restreindrais ici dans mon analyse plastique qui pourrait être bien longue, tant la cohérence entre traitement du corps et du paysage, les teintes acides et puissantes et les zones très matiérées m’ont rappelé les peintres fauves, les expressionnistes et Evard Munch. Il y a en tout cas quelque chose d’inquiétant et intriguant dans la course de cette femme puisque la forêt semble se dresser comme un obstacle, un défi ou éventuellement une échappatoire. Est-elle en train de fuir ? Le cadrage de la peinture nous empêche de savoir ce qui la poursuivrait, à moins qu’il nous appelle, les regardeur-euses, à penser à ce à quoi l’on tente de nous-mêmes de nous échapper.

Quant à ce paysage de Daniel Schlier, il n’a plus grand chose d’idyllique. Il est plutôt de l’ordre de la dystopie, c’est-à-dire de la contre-utopie, de la projection vers le cauchemar. Ici la nature n’est plus, elle se défait. Des vaches sont les seules figures vivantes représentées, mais elles sont ornées d’un halo rouge inquiétant. En fond, il y a des grues, qui sont des marqueurs d’un paysage de l’humain. Leurs couleurs se mêlent à celle du ciel, ce qui leur confère une certaine beauté. Le ciel, quant à lui, est traité en aplats très lisses qui participent à l’esthétique puissante de cette composition réalisée à la peinture à l’huile sur plexiglas. La nature de cette technique me rappelle celle du vitrail. L’œuvre de Daniel Schlier devient-elle la prophétie d’un futur apocalyptique plus si lointain ? Dans tous les cas, le renouveau de la nature est ici remplacé par la construction artificielle dont la multiplication nous éloigne des fleurs bourgeonnantes du printemps qu’annonce le titre.

“Distordre l’espace-temps” c’est donc proposer des espaces de projection en prise avec le monde contemporain, qui peuvent être parfois moins préoccupants que dans les deux œuvres précédentes. En témoignent les compositions colorées de Goele Amaro qui sont réalisés numériquement. Il leur ajoute des leurres optiques permis par l’effet lenticulaire et le verre frappé dont il les couvre. J’ai envie de les appeler des colorfield paintings (champs de couleurs) technologiques. Exigeant le déplacement et non la position méditative statique que demandent les peintures de Rothko auxquelles je fais référence en parlant des “champs de couleurs”, les jeux optiques de ces compositions suggèrent la profondeur et un certain caractère insaisissable qui vient contester les limites mêmes de la 2D habituelle d’un tableau.

La profondeur et la complexité de la couleur c’est ce qui fait la force des toiles de l’artiste suivante, Mojé Assefjah[13]. D’origine iranienne son travail était présenté à la fois par la Galerie Etemad (Téhéran) et la Galerie Tanit (Beyrouth-Munich). Ses œuvres m’ont réellement séduite notamment parce qu’elles sont faites de formes qui nous happent et nous intriguent. Ces formes sont indéfinissables et douces. Elles s’échappent du format plat du support pour créer de vrais espaces de projection notamment grâce à des successions de plans qui parfois ne reposent que sur un fil, mais toujours solidement. Les lignes, que je serai même tentée d’appeler les rubans, jouent avec la matière et nous invitent à les parcourir. Ode à la lenteur, ainsi qu’à la méditation, les toiles de Mojé Assefjah alternent entre des zones saturées granuleuses dues à l’utilisation de la tempera et des zones de trames de la toile de lin laissée nue. Ces compositions sont un puissant retour au calme. Les motifs non-figuratifs, tantôt naturels, tantôt géométriques, parfois même presque humains, participent à ce voyage poétique. On a envie de prendre le temps de nous y plonger tout en entier.

Regardez ces fleurs au sol de la Galerie Pauline Pavec. Vous voudriez vous en approcher ? Comme moi la première fois que je leur ai fait face. Attirée par ce tapis floral, je m’y étais penchée. Philippine, qui travaille à la Galerie Pauline Pavec, me voyant éprise, m’a fournit des explications. Elle m’a tout d’abord appris qu’il s’agissait de plantes artificielles récupérées dans différents cimetières. D’un coup rebutée, j’ai eu envie de reculer et je me suis sentie leurrée par l’attraction du beau. Philippine m’a expliqué que c’est justement l’un des buts de d’Aurélia Zahedi[14] qui crée des pièges esthétiques. Son tapis de fleurs devient ainsi un espace de projection pour penser le deuil et le calme silencieux de la mort qui contraste avec le rythme effréné de la réalité des vivants qui l’admirent. Entre piège du figuratif et invitation à la réflexion, ce tapis de fleurs, sur lequel on peut penser et non marcher, nous renvoie à la dimension du temps mémoriel et à l’infini qu’est celui de la mort. J’ai donc choisi de montrer cette œuvre dans mon parcours pour le message qu’elle porte au-delà de son image. Elle renvoie en effet au memento mori (souviens toi que tu vas mourir), ici prégnant, et lui fait revêtir une dimension frappante. Cette locution latine est complémentaire de celle que j’ai employée dans mon titre, à savoir tempus fugit, le temps qui fuit et invite à cueillir le jour présent comme le conseillait Ronsard (Mignonne, allons voir si la rose, 1545).

L’œuvre qui fait appel à la mémoire, c’est ce qui se retrouve dans temps cet ensemble de grès émaillés de Jérôme Hirson[15], intitulé Le Silence des ballots. Les ballots sont, dans le patois du nord de la France, les fûts de cheminées d’usine. Ici la forme joue sur la ressemblance tout en restant suggestive. Une simplicité, mais une force d’évocation, auxquelles participe la visibilité du travail technique d’une terre cuite imparfaite. Selon moi, tout cela fait de cette œuvre un monument en l’honneur des travailleur-euses d’usine des temps anciens et présents. Cette interpénétration des temporalités n’a que plus de sens lorsque l’on sait que l’artiste lui-même a travaillé en usine et a choisi de retourner à la terre, à l’artisanal. Rappelant son propre passé, cet ensemble de céramique est également un hommage au paysage du bassin minier, dont l’autre marqueur principal est le terril.

Ce fil à travers la distorsion de l’espace-temps se termine ainsi. En réalité, il se continue d’une certaine manière avec l’ultime parcours que je retrace ici. Intitulé “Comme du lierre grimpant sur un mur en briques”, ce parcours alterne entre différents types d’œuvres qui chacun à leur manière déjouent la structure sur laquelle ils reposent que ce soit en questionnant les systèmes artistiques ou bien en proposant un voyage dans des mondes imaginaires.

En ce qui concerne les systèmes, l’œuvre de Barbara Levittoux -Świderska[16] est un exemple assez intéressant. En effet, elle est créée grâce à la technique du tissage, à laquelle, et ce de manière historique, on relègue souvent les femmes (ou du moins pour le travail duquel l’appréciation était souvent liée à la question du féminin). Déjouant les mailles classiques, en les élargissant et par le caractère informel, son “Feu” attise notre âme. Il se fait un filet qui me rappelle un attrape rêve. C’est un vrai espace qui est est créé par ce travail du textile, non seulement par l’utilisation de mailles larges, mais aussi par l’usage de la fibre de sisal, issue d’un végétal mexicain dont l’odeur est prégnante. Les lignes qui apparaissent sur la trame ressemblent presque à des nuées. Elles suggèrent un mouvement et même une certaine profondeur. L’accrochage lui aussi fait que l’œuvre entre en interaction avec l’espace et la lumière. Le tissage se fait ici sculpture, même installation. L’odeur qui s’en dégage en fait un espace sollicitant presque tous les sens, si on lui ajoute le caractère haptique indéniable des fils qui s’échappent des mailles. On a envie de se promener dans le “Feu” de Barbara Levittoux-Świderska, de le humer et de laisser les formes qui naissent de notre esprit se perdre à jamais dans ses filets

Le lierre comme une brèche vers le rêve. C’est ce qui s’opère dans les œuvres d’Ellande Jaureguiberry[17]. Cet artiste travaille au crayon de couleur et caresse le papier de ses dessins. Il compose à l’aide de formes en bois découpées. D’abord, il en trace le contour, puis y place des paysages. Jouant avec la surface même du motif, la profondeur amenée par la perspective de ses paysages n’y suffisant pas, il place aussi des brèches qui suggèrent un espace derrière l’espace, parfois triple. Ces jeux invitent notre imaginaire à se déplacer dans les labyrinthes colorés qu’il compose. On a envie de prendre le temps de se plonger dans ses oniriques couleurs de coucher de soleil. Par endroits, des fruits apparaissent. Ils sont si saisissants de détails qu’on aurait envie de les prendre dans nos mains. Des visages et des silhouettes se font aussi jour, dans des paysages d’ailleurs qui nous emmènent hors du réel. Tout cela me rappelle les toiles de l’académisme illusionniste de la peinture surréaliste. Les éléments informels qui peuplent les compositions de Jaureguiberry me revoient quant à eux au biomorphisme d’un Yves Tanguy, mais transposé dans un paysage érotique californien.

Ces dessins sont des espaces qui s’échappent du format des œuvres. Ils dépassent leur support et se continuent dans la tête des regardeur-euses. Ils sont “comme du lierre grimpant sur un mur en brique”, ils apportent beauté, mais aussi fragilité à la structure sur laquelle ils reposent. En les regardant, le temps est suspendu. C’est aussi sa distorsion que l’on peut penser lorsqu’un mouvement créé au début du XXe siècle trouve autant écho dans la création actuelle. J’ai d’ailleurs trouvé intéressant le fait que certain-es jeunes artistes fassent des œuvres qui nous engagent à la contemplation, à prendre le temps de s’y plonger. Cette considération m’a ramené en plein dans les questions actuelles. Le temps y est pour quelque chose, puisque, comme me l’a appris une chronique France culture, les minutes vont se rallonger avec la fonte des glaces. C’est un saisissant contraste avec l’urgence qu’engage la crise écologique[18]. A mon sens, on peut déjà les expérimenter ces plus longues minutes, dans des moments de suspension, comme ceux des dessins de Jaureguiberry.

Un instant se retrouve également suspendu pour réfléchir aux frontières entre Homme et animal dans quelques œuvres que j’ai intégrées à ce parcours. Celle de Sean Landers, un artiste dont j’avais récemment vu le travail au Musée de la chasse et de la nature[19], se place en équilibre sur un fil entre imaginaire et questionnements. Il réemploie les codes classiques de la peinture (le paysage ou le portrait) dans une facture mimétique, mais en faisant la part belle à la figure animale. A mon sens, il faut l’expérimenter en vrai, cette toile, se mettre bien en face. Il faut fixer dans les yeux le Pronghorn dont le regard nous défie et nous émeut. Si l’on conserve une certaine distance, exigée par la représentation, il y a pourtant une proximité qui se crée avec l’animal. Cela n’est pas sans rappeler l’expérience de Natassja Martin face à l’ours (Croire aux fauves, 2019). Bien sûr, l’écran de la toile qui nous sépare m’a aussi fait pensé aux préoccupations de Gilles Aillaud, de qui ont pouvait voir les si plaisants portraits d’animaux lithographiés quelques stands plus loin.

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Je terminerai avec quelques uns de mes coups de cœurs hors parcours, vus au détour de mes allées et venues. La plupart sont floraux et colorés à l’instar du lampadaire en papier de Charles Macaire présenté par le stand d’Hélène Bailly. En face de lui trônaient d’ailleurs de beaux tableaux de fauves et cubistes, dont un Lothe que l’on aurait pas pu reconnaître au premier coup d’œil et un très beau Marquet.

Il y avait aussi, cette fois à la Galerie Dumonteil, ce tableau de Tess Dumon[20] dont le calme rappelle celui de Matisse ou bien de Bonnard. C’est une peinture apaisante avec une jolie mésange qu’on a envie d’admirer dans sa suspension.

Sans fleurs, mais avec des motifs répétitifs dignes de ceux d’une tapisserie, c’est aussi une icône pointilliste, un Jésus en pixel qui a attiré mon attention. Cette œuvre m’a rappelé les canevas et les peintures guidées par des numéros que l’on faisait petites ma sœur et moi. Décoratif et fascinant pour la patience qu’engage sa facture, ce tableau de Thomas Andréa Barbey[21] attirait assez bien le public.

Et bien sûr quel ne fût pas mon plaisir de croiser, dans les derniers jours de la foire, la version Pierre et Gilles de l’icône avec une Clara Luciani qui nous montre ses stigmates. Couronnes de fleurs et cadre perlé entourent la madone contemporaine, pour ma plus grande joie.

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Pour conclure ce retour sur mon exercice oral lors d’Art Paris, je dirai qu’il a fallut une grande capacité d’adaptation notamment due à l’impermanence des accrochages d’une foire d’art. Tout cela donnait une certaine vitalité à ma pratique, une vibration bien agréable. Cette vitalité se retrouvait également dans les rencontres que j’y ai faites, que ce soit avec des visiteur-euses, des galeristes et des artistes avec qui la conversation s’est parfois avérée très enrichissante. La question de l’établissement de tendance dans un tel endroit trouve à mon sens un certain nombre de limites, puisqu’il y a quelque chose de bien plus intéressant à penser un discours au fil des rencontres avec les œuvres. C’est aussi bien plus intéressant de conserver un propos organique qui prend en compte l’individualité des artistes et leur singularité plutôt qu’il ne les enferme dans de grandes idées.

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[1] Et cela grâce à Nina Rodrigues-Ely que je remercie pour sa confiance, sa bienveillance et qui elle aussi a suivi son intuition. Nina, merci vraiment. Et je salue tous mes camarades dans cette aventure : Skall, Clément Bouissou, Christine Blanchet, Fanny Drugeon, Julie Genelin, Jeanette Zwingenberger, Magda Chansel, Daphné Brottet, Pauline Lisowski, Aloïs Loizeau, Géraldine Breltaut et Méghane Delmas.

[2] Voir https://volumeceramics.com/blogs/infos/rencontre-avec-nitsa-meletopoulos.

[3] Voir notre site https://far.hypotheses.org/ et toutes nos actualités également sur Instagram (@far.recherche). Notre association « Femmes Artistes en réseaux » est actuellement en résidence à l’INHA comme nous sommes lauréate de la bourse INHALaB.

[4] Je signale cette série de conférences dont l’une par Philippe Descola à la BnF sur les enjeux de l’anthropocène: https://www.bnf.fr/fr/agenda/cosmopolitiques-de-lanthropocene.

[5] Voir https://www.victoireinchauspe.com.

[6] Voir https://www.arnaudrochard.com/.

[7] Voir https://julietteagnel.com/projets/works.

[8] Voir https://www.sophiezenon.com/demarche-artistique.

[9] Voir https://aliceguittard.com/about.

[10] Citation originale « confronts twenty-first century capitalism through an intersectional lense » [Traduction personnelle], voir https://www.luciahierro.com/about.

[11] Voir https://www.sarahjerome.com/.

[12] Voir https://www.danielschlier.com/.

[13] Voir https://www.galerietanit.com/artists/moje-assefjah/.

[14] Voir https://www.aureliazahedi.com/ dont la première page donne sur un poisson plongeant dans les paillettes, j’en suis fan.

[15] Voir https://jeromehirson.com/.

[16] Voir sur le travail textile très intéressant de cette artiste: https://www.richardsaltoun.com/artists/312-barbara-levittoux-swiderska/biography/.

[17] Voir plus en détail le travail du dessin d’Ellande Jaureguiberry qu’il ne faut pas oublier de mêler avec celui la terre cuite: http://ellandejaureguiberry.com/album/drawings/.

[18] Ecouter https://www.radiofrance.fr/franceculture/podcasts/le-biais-d-heidi-sevestre/le-biais-d-heidi-sevestre-chronique-du-jeudi-04-avril-2024-3319361.

[19] Voir : https://www.chassenature.org/expositions/animal-kingdom.

[20] Voir http://www.dumonteil.com/fr/artist/tess-dumon/.

[21] Voir https://francoiselivinec.com/fr/artistes/bio/31637/thomas-andrea-barbey.

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